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Iggy Pop:   Préliminaires

Rezensiert von: Frank

"Künstlerisch tot" nannte Julian Cope seinen Kollegen Iggy Pop einmal. Ganz so unrecht hatte er damit nicht, denn die letzten Alben des Amerikaners dokumentierten vor allem eines: Stillstand. Langweilige Gitarrenriffs, gepresster Gesang, banale Songs - James Osterberg war schon lange damit beschäftigt, ein Sprung in seiner eigenen Auslaufrille zu werden. Auch die Reunion der Stooges war eher ein Griff ins Klo, als die Wiedergeburt einer der einflussreichsten Bands der Musikgeschichte. 2005 ist eben nicht 1968, und die übergewichtigen Opas von heute sind nicht mehr die rebellischen Teenager von damals. Kein Wunder, dass da nicht mehr rauskam, als müder Garagenrock der Schulbandklasse. Klar - wenn man seit Jahren keine Gitarre mehr in der Hand hatte...

Doch Iggy Pop hat dazugelernt. Mit Mitte Sechzig reichlich spät, aber immerhin. Schon immer hatte er die leichte Neigung zur leichten Muse. Schon früher fand sich das ein oder andere seichte Geplänkel zwischen seinen Kicking-Ass-Riffs, zu dem er mit seiner allertiefsten Kellerstimme leise Töne säuselte. Verzeihliche Ausrutscher und orientierungslose Verirrungen eines Berufsschreihalses mit HB-Männchen-Attitüde; verstohlene künstlerische Seitenblicke eines zur Realsatire gewordenen Mikrofonzertrümmerers.

Der Wille zum Wandel war also mehr als überfällig. Plötzlich hieß es, er wolle nicht mehr den "wilden Mann" markieren, den alle von ihm erwarteten. Schon gar nicht mehr in seinem Alter, rechtfertigte Pop sein neuestes Album "Préliminaires". Recht hat er, ohne Wenn und Aber! Der Mann muss vom Baum der Erkenntnis genascht haben - nur eben leider die verfaulten Früchte. Seinen künstlerischen Tod jedenfalls konnte er mit seinen neuen Tönen nicht in eine Auferstehung verwandeln.

Nichts gegen einen Hang zur leichten Muse oder ruhigeren Tönen. Aber auch das will gekonnt sein. Denn kaum etwas ist musikalisch ärgerlicher, als die uninspirierte Pseudo-Nachdenklichkeit, die sich wie ein trüber Schleier über Préliminaires legt. Als ob ein paar ungelenke Anleihen aus der verruchten Welt existenzialistischer Chansons einen sexistischen Proll zum intellektuellen Bohèmien erheben könnten.

Ganz in diesem Sinne werden auf den Höhepunkten der Pop′schen Tristesse französische Texte über gähnige Tanzschulenmuzak gesprochen (Je Sais Que Tu Sais, Les Feuilles Mortes) oder banale Lyriken über billige Keyboarduntermalung gekleistert (Party Time, He′s dead / She′s Alive). Die restlichen Songs reichen allenfalls an unteres Mittelmaß heran und können den Karren auch nicht mehr aus dem Dreck ziehen. All das verschlimmert sich noch durch die erschreckend eintönige und facettenlose Stimme Pops. Diese taugt offensichtlich nur noch für baritones Gebrabbel nahe der Einschlafgrenze und trägt zusätzlich zum Misslingen des Projektes bei.

Halten wir also fest: Gratulation zu der Erkenntnis, mal andere künstlerische Wege zu beschreiten. Das war lange überfällig. Aber, doch nicht so, Herr Pop, doch nicht so...

Repertoire: 3-, Interpretation: 5

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Black Sheep / Julian Cope:   Kiss My Sweet Apocalypse 2

Rezensiert von: Frank

"Conflict is the origin of everything" zitieren die Black Sheep den Philosophen Heraklit im Beiheft zu ihrem Album "Kiss my Sweet Apocalypse 2" und weisen damit auf ihre zentralen Themen hin: Konflikt, Revolution, Protest. Auch der Hörer dürfte zunächst gewisse Schwierigkeiten mit der schweren Kost haben, die sich über zwei fast vollgepackte CDs zieht. Weit entfernt von der genreüblichen Phrasendrescherei, nehmen Initiator Julian Cope und seine Mannen den Begriff des Protestes ziemlich wörtlich und spielen auf zur längst überfälligen Rebellion gegen das verkrustete System. Dieses manifestiert sich insbesondere als Kapitalismus amerikanischer Prägung (schön: die Plakate mit der Aufschrift "Fuck AmerKKKan Kapitalism"), religiösem Dogmatismus, der Unterdrückung von Minderheiten und dem Schwinden der Meinungsfreiheit.

Die politischen Intentionen kommen dabei ein wenig diffus daher, eine stringente theoretische Linie ist schwer auszumachen. Vielmehr scheint die prinzipielle Bereitschaft zum Kampf gegen das etablierte Böse im Vordergrund zu stehen. Und diese zeigt sich für Cope und die Black Sheep im Unangepassten, im Außenseitertum, eben im Dasein als ein Schwarzes Schaf in einer ansonsten ideologisch gleichgeschalteten Gesellschaft funktionalisierter Opportunisten. Dabei wird nicht zwingend auf weltanschauliche oder sozialhistorische Details abgehoben, vielmehr kommt es darauf an, überhaupt aus einer Außenseiterposition heraus Einfluss auszuüben. Ein wenig undifferenziert schwimmen so C.G. Jung, Yoko Ono, Leila Khaled, T.C. Letherbridge oder Jim Morrison zusammen in einem Topf. Aber schließlich kommt es Cope und den Black Sheep in erster Linie auf die generelle Bereitschaft zur Opposition an, erst in zweiter Linie auf die je konkreten Hintergründe und Ziele ihrer Protagonisten. Trotzdem ist man weit entfernt von einer unkritischen Haltung gegenüber dem Rebellischen. Che Guevara, Lieblingsfigur vieler ehemals Alternativer, kriegt in einem der Stücke sein Fett weg, in dem es heißt " Che, Che, he said he was a saint, but I know he ain′t".

"Song" ist dabei eigentlich der falsche Begriff, und überhaupt, viel mehr gesungenen Text als diese wenigen Zeilen über den kubanischen Revolutionär gibt es auf dem gesamten Album nicht zu hören. Das mag viele enttäuschen, die Julian Cope als einen hervorragenden Sänger kennen. Doch dieses Album dürfte im Grunde jeden enttäuschen, der mit Copes Schaffen noch vorwiegend die Post-Punk-Band Teardrop Explodes oder die betörenden "Killer-Pop-Songs" aus den 1980ern und -90ern verbindet. Visionär, wie Cope nun einmal ist, verfolgt er mit aller Konsequenz seine künstlerischen Ambitionen. Wobei "künstlerisch" in einem sehr originären Sinn zu verstehen ist, nämlich der akustischen und visuellen Reflexion des eigenen sozialen und politischen Kosmos. Dass diese nach kulturindustriellen Maßstäben dann kaum radiotauglich und in einer praktisch nicht kommerziell verwertbaren Weise daherkommt, liegt auf der Hand.

Und so rumpeln auf "Kiss My Sweet Apocalypse 2" die Stand- und Hängetrommeln zum hypnotischen Klang der akustischen Gitarren, alles durchmischt von Geräuschen aus Holy Mc Grails Analogsynthesizern und gelegentlichen Klängen aus Copes Mellotron 400. Kompositorische Strukturen existieren - wenn überhaupt - nur in rudimentärer Form, es überwiegt ein grundlegender Sessioncharakter. Die meisten der Stücke beginnen mit einem einfachen Motiv, das von der Band permanent wiederholt und modifizierend gesteigert wird. Parolenartige Textfragmente werden über Minuten skandiert, was an basale Protestformen erinnert. Über allem liegt eine geradezu schamanisch anmutende Ursprünglichkeit, eine in ihrer Radikalität beinahe archaische Form musikalischen Ausdrucks. Rhythmische Strukturen, improvisatorische Spontanität und eine gehörige Portion Experimentierfreude dominieren das Klangbild, kaum aber Melodien und Arrangements.

Doch das ist genau das, was man eine absolut konsequente Interpretationsweise nennen könnte. Protest gegen das Etablierte kann nun mal nicht in den Formen des Etablierten daherkommen, und eine Revolution kann sich ebenso wenig in ein nettes Gewand melodischer Ohrenschmeichelei hüllen. Sie muss wehtun, aufwühlen und sogar zerstören. Und gerade deshalb ist der altbekannte Design-Leitspruch "Form follows funcion" für dieses Album mehr als zutreffend.

So bleibt "Kiss My Sweet Apocalypse 2" selbst für eingefleischte Cope-Fans schwere Kost, reiht sich bei genauer Betrachtung aber nahtlos in den roten Faden seines Schaffens ein. Man muss sich darauf einlassen können, beide CDs auf sich wirken lassen. Dann langsam offenbart sich die aufrüttelnde Tiefenwirkung dieser eigentümlichen Musik, die im Grunde nichts weiter ist, als Meditationen zum Thema Außenseitertum und Protest. Doch der aktuelle Zustand unserer Welt ist derart desolat, dass letzteres wichtiger ist, denn je. Opportunismus kann keine Lösung sein - ganz im Gegenteil. Dass Cope allen gegenwärtigen und auch künftigen Schwarzen Schafen einen Soundtrack für ihr Tun in Hände gelegt hat, ist daher mehr als zu begrüßen - auch wenn man sich mit der Zeit mal wieder auf ein Cope-Album in herkömmlicher Rock-Instrumentierung freuen würde. Schwarze Schafe sind eben auch nur Menschen...

Repertoire: nicht wertbar, Interpretation: 1

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Van Morrison:   Astral Weeks. Live at the Hollywood Bowl

Rezensiert von: Frank

Der ältliche Mann mit Hut spaltet die Gemüter. Ein Ausnahmesänger, ohne Zweifel. Wie kaum ein anderer in der Lage, jegliche Art von Musik mit seinem unnachahmlichen Timbre zu adeln. Jeder Ton ein Volltreffer - und selbst im fortgeschrittenen Alter klettert er die Skalen mühelos auf und ab. Dass er dabei stets so klingt, als habe er den halben Mund voller Gulasch, erhöht eher den Charme seines Gesangs. Er könnte selbst Schlager interessant klingen lassen, was er denn auch leider zuweilen getan hat.

Und damit wären wir schon bei den negativen Seiten des Iren angelangt. So treffsicher seine Stimme sein mag, so wenig treffsicher erwies sich in der Vergangenheit sein stilistisches Gespür. Er war unterwegs in einem weiten Feld zwischen Folk, Blues, Pop und Country und hinterließ der Musikwelt so einiges an Flops. Der absolute Tiefpunkt war erreicht, als Morrison gemeinsam mit dem christlichen Schmalzheini und Schlagerpop-Barden Cliff Richard den religionstriefenden Song "Whenever god shines a light" sang. Klar, Morrison ist gläubiger Christ und hat keine Probleme damit, das auch die Welt erfahren zu lassen. Aber wenn er schon unbedingt seinen Glauben ausleben muss, dann im Sinne der negativen Religionsfreiheit bitte nicht in Form radiotauglicher Popliedchen. Und schon gar nicht zusammen mit dem Schmalzdackel Cliff Richard. Allein schon diese Aktion hätte gereicht, um sämtliches Morrison-Tonmaterial aus den Plattenschränken und Playlists zu verbannen. Und zwar in alle Ewigkeit. Amen.

Dass eine neue CD von Morrison trotz all seiner Verfehlungen hier nun rezensiert wird, hat dagegen mit den Verdiensten zu tun, die die Habenseite seiner Musikbilanz zieren. Und diese ist geüllt mit zeitlos schönen und tief bewegenden Songs von zuweilen epochaler Größe. Wie kaum ein Zweiter beherrscht er die Kunst, das Wesentliche der Musik herauszuarbeiten, künstlerische Essenz zu isolieren und von allem Störenden zu befreien. Nicht selten besitzt diese Art Songs kaum kompositorische Strukturen. Häufig gibt es nicht einmal einen Refrain, von Bridges und ähnlichem Beiwerk ganz zu schweigen. Das braucht es auch nicht. Im Zentrum steht einzig die markante Stimme, die sich - Melodie- und Soloinstrument gleichzeitig - auf Basis einer wohlinstrumentierten und -arrangierten Musikbegleitung bis tief in die Seelen der Zuörerschaft bohren kann.

Leider begrenzte sich diese Phase seiner Arbeit auf die 1970-er Jahre, um dann sukzessive in der Versenkung zu versinken. Mit dem biederen Alte-Herren-Blues seiner jüngsten Alben verschwand schließlich der letzte Funken Hoffnung auf musikalische Offenbarungen aus dem Munde von Van the Man. Und keimte völlig überraschend mit der Veröffentlichung von "Astral Weeks - Live at the Hollywood Bowl" wieder auf. Diese enthält zwar kein neues Material, ist aber immerhin live eingespielt und eine Hinwendung zu seiner früheren Größe - für die das legendäre Album "Astral Weeks" wie kaum ein Zweites steht.

1968 in nur zwei Tagen im Jamsession-Verfahren aufgenommen, verkaufte es sich zwar zunächst schlecht, landete später aber trotzdem in sämtlichen Ranglisten der besten Alben aller Zeiten. Es markierte die künstlerische Neufindung Morrisons, der kurz zuvor die Band Them verlassen hatte und seinen lyrischen und stimmlichen Obsessionen freien Lauf ließ. Im Herbst 2008 führte Morrison das komplette Album schließlich live auf, die zugehörige CD wurde 2009 veröffentlicht.

Zu hören ist ein gut gelaunter Van Morrison, dessen stets präsente Stimme um einiges reiferer klingt, als auf der Originalaufnahme. Die vielköpfige Band - inclusive des Streichersatzes könnte man fast von einem Orchester sprechen - spielt dezent, präzise und entspannt, schafft die ideale Basis für die Vokalakrobatik des Maestro. Zum Einsatz kommen dabei ausschließlich akustische Instrumente. So hangelt sich Morrison munter improvisierend durch die Songs von "Astral Weeks" und legt mit Listen to the Lion und Common One zwei Boni drauf. Dabei scheint der sonst eher schrullige und notorisch schlecht gelaunte Grantler seinen Spaß zu haben, an einigen Stellen entfleuchen ihm sogar - oh historische Momente - Lacher.

Ein Album, das Spaß macht: ob Slim Slow Rider, Sweet Thing oder das fulminante Madame George - hier jagt eine Offenbarung die andere. Und ein Album, das hoffen lässt, Morisson möge zurück zu alter Größe finden und dem gähnigen Biedermeier-Blues Marke Musiker-Altenteil den Rücken kehren. Das Zeug dazu hat er immer noch, da gibt es keinen Zweifel.

Repertoire: 2, Interpretation: 1

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Neil Young:  Fork In The Road

Rezensiert von: Frank

Neil Young war mal ein Guter. Ein meiner Helden. Unvergessen seine hypnotisierenden Gitarrensoli, die erfrischend untechnisch waren, dafür direkt aus der Seele zu kommen schienen und das taten, was nur ganz wenige Gitarristen schaffen: zu berühren. Unvergessen der Abend vor Jahren im Hamburger Stadtpark, als Neil Young und Crazy Horse eine epische Version von Cortez The Killer ablieferten, die selbst dem eher nüchternen Rezensenten Schauer über den Rücken jagte und ihn ins Reich andächtiger Kontemplation schickte - was zuvor kaum ein Musiker live je bewerkstelligt hat.

Doch Neil Young hat auch jede Menge Leichen im Keller. Nicht im Sinne stilistischer Verirrungen auf das Terrain kommerzieller Schleimfelder, sondern eher als bemerkenswerter Hang zu im besten Falle unterdurchschnittlicher Kompositorik und Arrangierkunst. Irgendwie haben wir uns im Laufe der Zeit daran gewöhnt, seine Perlen inmitten belangloser bis langweiliger B-Ware zu aufzuspüren, was - abgesehen mal von Youngs glorreicher Grunge-Zeit in den 1990ern - fast immer der Fall war. Doch was, wenn die Perlen gänzlich ausbleiben und nur noch der schale Bodensatz in der leeren Tasse schimmert?

Seit dem Anbruch des neuen Jahrtausends scheint Youngs Stern im Sinken begriffen. Genau genommen sinkt er bereits seit dem Abschluss der grandiosen Weld-Tour Mitte der 1990er, als der langsam in die Jahre kommende Kanadier angesichts furioser Feedback-Orgien und scheppernder Powerchords einen Hörschaden erlitt und den Entschluss fasste, ein wenig leiser zu treten. Doch die kurze Phase eher akustischer Gitarrensongs währte nicht lange und wurde von einer Hinwendung zu erdigem Garagenrock abgelöst. Leider spielte Young diesen nicht mehr mit den kongenialen Crazy Horse ein, sondern mit der eher langweiligen Tourband Booker T & The MG′s, dabei oft unterstützt von seiner Frau Pegi am Background-Gesang. Bei aller Erdigkeit konnten seine Stücke den früheren Gitarrenelegien kaum mehr das Wasser reichen und verloren sich nur allzu gern im Belanglosen und zuweilen auch Schwülstigen.

Leider setzt er mit seinem neuesten Werk "Fork in the Road" diese Erosion künstlerischer Substanz fort. Das Konzeptalbum handelt im wesentlichen vom Autofahren, denn Herr Young scheint es zu lieben, mit seinem Lincoln durch die USA zu cruisen. Auch an ihm ist nicht vorbei gegangen, dass besonders US-amerikanische Spritfresser jede Menge Abgas in die Luft blasen, weshalb er sich an die Entwicklung eines umweltfreundlichen Elektro-Lincolns gemacht hat. Keine allzu schlechte Idee für jemanden, der sich wohl keine zwanzig Kilometer auf einem bepackten Reiserad halten könnte...

Das alles spickt Young noch mit ein bisschen lauer Banker- und Politikerschelte und verpackt es in rumpeligem Garagenrock der Anfängerklasse, zu dem er wie ein nuscheliger Ami-Onkel ins Mikro nölt. Ab und an hat er mal einen lichten Moment und spielt ein verzückendes Riff. Allerdings nur, um es Sekunden später mit einem grützigen Refrain oder einer anderen musikalischen Verwunderlichkeit in die Tonne zu treten. Dann mischen sich nicht selten seine Stimme und die der Begleitmusiker zu chorhaften Melodiegebilden, deren Wendungen man bestenfalls als fragwürdig bezeichnen kann. Einzig lobenswert ist sein einzigartiger Gitarrensound, doch auch der kann die Karre schon lange nicht mehr aus dem Dreck ziehen.

Alles zusammen hat Young mit Fork in the Road eine weitere Scheibe mit leider wenig begeisterndem Garagen-Rock abgeliefert, der - schaut man sich die Videos zu den Songs an - eher in die Abteilung für ranzigen Geronto-Rock gehört. Schade.

Repertoire: 3, Interpretation: 4

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Brain Donor:  Wasted Fuzz Excessive

Rezensiert von: Frank

Es geht doch nichts über produktive Künstler - vor allem, wenn sie kreativ und gut sind. Nachdem Julian Cope zuletzt mit seiner genialen Joe Strummer Memorial Busking Tour im wahrsten Wortsinne auf eher akustischen Pfaden umherwanderte, lässt er mit seiner "Stuporgroup" Brain Donor gleich zu Beginn des neuen Jahres die Verstärker wieder auf Volllast laufen. Seine Plattenreviews auf
 www.headheritage.co.uk zeigen, dass Ausnahmekünstler Cope jede Menge Musik verköstigt, die sich fern ab dessen bewegt, was Alternative- oder Indierock im Schnitt zu bieten haben. Und während selbst seine für Durchschnittsohren schwer konsumierbaren Soloalben vergleichsweise melodisch und eingängig daherkommen, entwickelt sich Brain Donor immer mehr zur Plattform für Copes experimentellmusikalische Obsessionen. Gewiss ist in seiner Künstlerseele Platz für beide Regungen; und es kann davon ausgegangen werden, dass sie dort gleichwertig koexistieren.

Als Cope Ende der 1990er Jahre gemeinsam mit Spitzengitarrist Doggen und Drummer Kevlar das Powertrio Brain Donor aus der Taufe hob, servierte man dem Publikum harten Proto-Metal und krachenden Post-Glamrock. Cope und Doggen stelzten geschminkt und auf Plateausohlen über die Bühne und arbeiteten sich an Doppelhalsgitarren ab, um optisch eindrucksvoller und akustisch wuchtiger rüberzukommen. Zuweilen verließen Mengen konsternierter Zuschauer die Säle, weil sie nichts mit dieser ekstatischen Musik anzufangen wussten, zu der Cope mehr brüllte als wie üblich kunstvoll sang. In viele Gesichter stand wohl die Frage geschrieben, ob das wirklich der Mann ist, der mal "Fear Loves this Place" gesungen hat.

Mit der Zeit, spätestens aber seit dem Album Brain'd Boner, verschob sich der Sound mehr in Richtung rauschhaft-meditativer Elemente. Hier dominieren epische Gitarrenkaskaden und bis zur Penetration wiederholte Gewaltriffs, die mit zuweilen grotesk übersteigerten Gesangslinien verfeinert werden. Ganz in dieser Machart fällt auch Wasted Fuzz Excessive aus. Auf die gesprochenen Einführung The Mead of Fimbulthul folgen zwei ausgedehnte Instrumentalstücke (Gates of Skagerrak, Death Becomes You) aus der Kategorie "verzerrte Klangmeditation", die zur einen Hälfte aus Gitarrensoli und zur anderen Hälfte aus Wah-Guitar-Kontemplationen bestehen. Auf Dyselexia Rules K.O. spielt sich Doggen endgültig in den Olymp der Gitarrengötter, wenn er ganz ohne Begleitmusiker die Skalen hoch und runter fiddelt. Mit Emerging folgt mal wieder ein Stück in alter Donor-Tradition, ebenfalls gespickt mit Doggens Fingerfertigkeit und Copes treibendem Bass und Gesang. Unmittelbar daran schließt sich mit Shadow of my Corpse ein bemerkenswertes Basssolo an, das wohl gelegentlich zum Cope'schen Live-Repertoire zählt. Ein wenig eingängiger klingt danach der entfernt an Iggy Pop erinnernde Song Frankenstein. Diesem warf Cope übrigens einmal vor, künstlerisch einfallslos geworden zu sein (was der Autor nur bestätigen kann). Er empfahl ihm, mal ein Album mit meditativer Gitarrenmusik und ganz ohne Gesang zu machen. Was er damit meint, lässt sich auf Wasted Fuzz Excessive in Teilen erleben. Fokkinger Slag und The Hanging beenden dieses eindrucksvolle Album mit einer gehörigen Prise musikalischer Experimentierfreudigkeit, Copes schwerlastigem Basssound und exzessiven Gesangsparts. The Hanging treibt das alles auf die Spitze und trägt den Zuhörer auf dahinwabernden Geräuschteppichen zurück in die Stille nach dem Ende der CD.

Wasted Fuzz Excessive ist alles andere als leichte musikalische Kost. Musikalische Meditationen, die in ihrer Rau- und Schroffheit ideal zu den kühlen nordischen Landschaften passen, die Cope samt ihrer Mystik gerne beschwört. Und hat man sich erst mal warmgehört, folgt man nur allzu gern der Aufforderung auf dem Cover:"Play this Power Trio Loud as Hell!".

Infos / Bezug:   www.headheritage.co.uk     www.braindonor.org

Repertoire: 2, Interpretation: 1

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Julian Cope: Black Sheep

Rezensiert von: Frank

Die Erwartungshaltung war groß, als Julian Cope vor einigen Monaten auf seiner Website (  www.headheritage.co.uk) ankündigte, an einem neuen Album zu arbeiten. Vom Dasein als "schwarzem Schaf", als Außenseiter in der modernen westlichen Gesellschaft, sollte es handeln, so die Ankündigung. Musikalisch sollte der bereits bei "You gotta Problem with me" eingeschlagene Weg weiter verfolgt werden. Zu erwarten war also eine eher ungewöhnliche Instrumentierung aus orchestralen Perkussionsinstrumenten, Mellotron (einem mit Magnetbändern betriebenen analogen Tasteninstrument), Oboe, Synthesizer und - man merke auf - schönem mehrstimmigen Gesang.

Schnell wurde bestellt, als "Black Sheep" endlich im Merchandiser von Headheritage auftauchte. Und mit zittrigen Fingern schließlich in den CD-Player gesteckt, offenbarte Copes neues Album eine gelungene Vorstellung von einem so hoch entwickelten wie visionären Songwriting. Cope höchstselbst gestaltete zudem das Cover, das die in Öl gemalte Flagge der Anarchisten mit einem Zitat C.G. Jungs schmückt.

Black Sheep ist ein Album der eher ruhigen Töne. Wie bei Cope üblich, verteilen sich die neun Songs auf zwei CDs mit zusammen knapp 70 Minuten Länge. CD Eins trägt den Untertitel "The Return of the Native" und klingt ein kleines bisschen härter als CD 2 - "The Return of the Alternative". In die Ohren sticht bei beiden Teilen des Konzeptalbums vor allem die stilistische Unterschiedlichkeit der Songs. Kommen Come The Revolution und It's Too Late To Turn Back Now anarchisch krachend daher, gehören These Things I know, Blood Sacrifice und Psychodelic Odin der feinmelodischen Songfraktion an, die von Cope überzeugend mit ruhiger und klarer Stimme gesungen wird. Bei letzterem handelt sich dazu um ein typisches Beispiel für Copes hochmelodisches Gespür. Fast schon ein umwerfender Pop-Song alter Cope-Schule, mit dem der visionäre "Archdrude" früher einen Großteil seiner Brötchen verdient hat. Ganz anders dagegen The Shipwreck of St. Paul; in dem ein magisch verzerrter Gesang durch tief wabernde Synthesizerklänge dringt. Das Stück besticht durch eine eigentümlich mystische Stimmung, die sich erst bei mehrmaligem Hören in voller Gänze entfaltet.

CD2, "Return of the Alternative", beginnt geradezu beschwingt mit All The Blowing-Themselves-Up Motherfuckers, in dem ein eingängiger Chorgesang dominiert. Es wird gefolgt von Feed my Rock n' Roll, dem einzigen eher schwächeren Song auf dem Album. Das filigran-schöne Dhimmi is Blue handelt (u.a.) augenscheinlich vom Sterben und wird mit glockenklarem Gesang zu Klavier vorgetragen. Der Black Sheep Song bildet das inhaltliche Kernstück. In dem ruhigen Akustikgitarrenlied geht es um die "Schwarzen Schafe", die sich nicht von der geführten und manipulierten Masse einnehmen lassen, weshalb sie ein benachteiligtes Randdasein fristen müssen. In ihrer Unangepasstheit bilden sie jedoch das Rückgrat jeder Freiheit und Unabhängigkeit. Den Abschluss bildet das epische I can Remember this Life, das sich gerade wegen seiner pulsierenden Ruhe um so eindringlicher in den Geist des Hörers schraubt. Eine meditative Stimme singt eine fast altertümlich wirkende Melodie zu einem harmonischen Gemenge aus einzeln gesetzten Klaviertönen, Synthesizerklängen und wabernden Mellotronlinien - ein würdiger Abschluss für ein großartiges Album.

In seinem Vorwort beschreibt "Hobby-Historiker" Cope die Ausbreitung der Wüstengötter Jehovah, Allah und des Christengottes aus dem kriegerischen mittleren Osten nach Nordeuropa. Er stellt treffend fest, dass diese Wüstengötter in ihrer Grausamkeit und Inhumanität die ebenso grausamen, kriegerischen und insgesamt sehr schwierigen Lebensumstände jener Völker widerspiegeln, die in der Antike in dieser Weltgegend lebten. Allerdings seien diese fremdländischen Gotteskonzepte den nordeuropäischen Lebensumständen und der daraus resultierenden Kollektivpsyche kaum angemessen. Jedoch von den patriarchalen Römern dorthin exportiert, seinen die nordischen Götter ausgelöscht worden, und mit ihnen das Konzept der Gleichheit der Geschlechter, das - so kann es interpretiert werden - bei Cope für ein Konzept der wahren Humanität steht. Mit den Wüstengöttern brachen also Unterdrückung, Gewalt und Inhumanität in die nordische Welt ein, ganz nach seinem Schlagwort: "The True Fiend Rules in God's Name" (Der wahre Feind herrscht im Namen Gottes).

Black Sheep ist alles in allem ein musikalisch wie inhaltlich ausgesprochen inspirierendes Album eines der wenigen Kulturschaffenden, die man noch ohne Vorbehalte als wahren "Vollblutkünstler" bezeichnen kann.

Repertoire: 1, Interpretation: 1

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The B-52s: Funplex

Rezensiert von: Frank

Sechzehn Jahre Versenkung sind eine ganze Menge. Diese halbe Ewigkeit liegt die Veröffentlichung des letzten Albums der B-52s bereits zurück. Sicher haben die Vier aus Athens / Georgia in der Zwischenzeit das ein oder andere geleistet, doch mit Funplex meldet sich die beste Partyband der Welt endlich wieder komplett zurück im Neolicht. Dennoch wirft die lange Pause Fragen auf: Was war los? Keine Ideen mehr gehabt? Oder sollen bloß noch ein paar Zusatztaler für die Rente eingefahren werden? Immerhin sind Fred Schneider & Co. jenseits der 50 und damit nicht mehr die Allerjüngsten. Wie dem auch sei, Funplex klingt frisch, locker, dynamisch und genau so, wie man die B-52s seit eh und je kennt.

Kate Pierson und die wieder eingestiegene Cindy Wilson singen luftig-locker, spritzig, kreischen zuweilen, und dringen mit Leichtigkeit selbst in trägste und verschmalzteste Gehörgänge ein. Sie sind mit einem Wort einfach DAS weibliche Gesangsgespann der Rockgeschichte. Dabei klingen sie so jugendlich wie immer und geben bessere Punk-Röhren ab, als so manches Teeniemädel. Ihre Stimmen sind so urweiblich wie anregend und nebenbei auch eine willkommene Abwechslung zum industriekonformen DIN-Soulgejodel, das einem heute überall in die Ohren gekleistert wird.

Doch was wären die beiden ohne den kosmischen Fred Schneider? Seine unverwechselbare Comicstimme reicht, wenn's hoch kommt, gerade über eine halbe Oktave. Aber diese halbe Oktave hat es knüppeldicke in sich. Schneiders Vokalattacken sind nicht nur das Salz in der Ursuppe, sondern der Kontrapunkt zur weiblichen Gesangsdynamik. Man freut sich auf jeden neuen Einsatz, fiebert ihm förmlich entgegen. Und ein besonderes Highlight ist es, wenn Schneider die Leadvocals übernimmt, wie etwa in Eyes Wide Open, das im Übrigen leicht an This Planet's a Mess aus seinem 1984er Soloalbum Monster erinnert - und das war Wave pur.

Keith Strickland ist bei allem der unscheinbare Strippenzieher im Hintergrund. Der schüchtern wirkende Gitarrist hat nicht nur zusätzlich die meisten Bassspuren eingespielt, sondern firmiert auch als Musical Director und ist für eine Reihe der computergestützten Sounds verantwortlich. Letztere verleihen dem Album einen diesmal angenehm modernen Hauch und hätten durchaus ein wenig fetter und öfter aufgetragen werden können.

Wenn eine Band nach einer so langen Zeit wieder aus der Versenkung auftaucht, hat sie eine große Bürde zu tragen. Eigentlich könnte man guten Rechts verlangen, dass jedes neue Stück eine Offenbarung sei - schließlich war die kreative Pause lang genug. Diese hohe Hürde haben die B-52s zwar nicht genommen. Dafür haben sie ein erfrischendes Album nach altbewährten Rezepten abgeliefert, das den Hörer zwar nicht in Sphären des erweiterten Bewusstseins katapultiert, die Band dafür wieder auf das Podest der weltbesten Partyband. Es gibt drei geistreinigende Stücke (Pump, Too Much To Think About, Eyes Wide Open) die zeigen, in welche Richtung der künftige Pfad der B-52s gehen sollte. Dann noch ein paar stimulierende Partykracher wie Deviant Ingredient und leider auch zwei bis drei Laufzeitfüller. Letztere sollten wir aber nicht überbewerten, denn im Vordergrund steht erst mal die Freude darüber, dass sich die B-52s in Fast-Urbesetzung überhaupt wieder zurückgemeldet haben. Nun bleibt inständig zu hoffen, dass die Pause bis zum nächsten Album nicht wieder so lange ausfällt...

Repertoire: 3, Interpretation: 3-

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Brain Donor: Thekla

Rezensiert von: Frank

Der Blick auf die Headheritage-Website Ende Dezember offenbarte eine angenehme Weihnachtsüberraschung: Angeboten wurde ein Bootleg eines Konzerts von Julian Copes Spezialprojekt Brain Donor. Vor etwa einem Jahrzehnt tat sich der Brite mit Ex-Spiritualized Gitarrist Doggen Foster und Drummer Kevlar zusammen, um ein durchschlagendes Power-Trio ins Leben zu rufen. Kevlar wurde später durch Mister E ersetzt, der zusammen mit Doggen Foster auch im Line-Up der Cope'schen Hausband zu finden ist.

Brain Donor wird von Cope zuweilen als "Stuporgroup" (Betäubungs-Gruppe) bezeichnet, was angesichts ihres rauen, harten und ungeschliffenen Sounds verständlich ist. So produziert das Trio vornehmlich scheppernde Attacken auf Gehör und Gehirn, gespickt mit langen Gitarrensoli, hypnotischem Gesang und harscher Brachialität - Proto-Metal at it's best.

Außer den bisher erschienen Studioalben ist Thekla Brain Donors einzige Live-CD, sieht man einmal von der allerdings hoffnungslos vergriffenen CD "Too Freud to Rock' n Roll, Too Jung to Die" ab. Es handelt sich um die Aufzeichnung eines Gigs im namensgebenden Thekla-Club in Bristol, die aus dem Publikum mithilfe eines tragbaren Recorders gemacht wurde. Irgendwie gelangte die Aufnahme zu Headheritage, wo sie nun aufgrund der mäßigen Soundqualität für wenig Geld (knappe 10 Euro) angeboten wird.

Zu hören sind bei insgesamt akzeptabler Klangqualität acht energiereiche Stücke. Besonders beeindruckend sind Doggen Fosters Gitrarrenkünste, die von einschlagenden Riffs bis hin zu nahezu außerirdischen Soli reichen. Das Fundament bilden dabei Copes knochenharter Bass und Mister E's sportliche Schlagzeugdresche. Copes sehr wandlungsfähiger Gesang passt sich den Gegebenheiten an - man glaubt kaum, dass dieselbe Stimme Spitzensongs wie I found a new way to love her intoniert hat. Insgesamt ist "Thekla" eine kurzweilige CD, die eine erfrischend spielfreudige Band in Minimalbesetzung zeigt. Ab und an kommen Assoziationen an Iggy Pop's Livesound auf, wobei Brain Donor diesen allerdings ganz klar auf die hinteren Ränge verweist. Zum einen nämlich ist der Cope'sche Proto-Metal um einiges innovativer, als Pops immergleicher Kick-Ass-Sound. Zum anderen wartet Cope mit einer umfangreichen Botschaft auf und befriedigt somit auch intellektuelle Ansprüche. So kann man also unbedenklich jener klugen Anweisung folgen, die auf vielen Brain Donor - CD's aufgedruckt ist: Play this power trio loud as hell!

 www.headheritage.co.uk
 www.braindonor.org

Repertoire: 2-, Interpretation: 1

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Smashing Pumpkins: Zeitgeist

Rezensiert von: Frank

Die Musikwelt war um eine geniale Band ärmer geworden, als ihr Sänger und Chef Billy Corgan vor ein paar Jahren beschloss, die Smashing Pumpkins auf Eis zu legen. Personeller Ärger und fehlende Unterstützung durch die Plattenfirma waren die Gründe für diesen so konsequenten wie bedauernswerten Schritt. Seiner Hörerschaft hinterließ er mit Machina II/The Friends & Enemies of Modern Music ein beachtliches Musikwerk, dass er im Internet zum kostenlosen Herunterladen bereitstellen ließ, nachdem seine Plattenfirma die Veröffentlichung herauszögern wollte.

Im Unterschied zum stellenweise recht experimentellen Machina II klingt Zeitgeist geradezu geradlinig und kommerziell. Die zwölf Songs sind allesamt in einem Rutsch durchhörbar, ecken kaum an, fallen aber angenehm durch eine unverkennbare Härte auf. Wieder schichtet Corgan zig Gitarrenspuren übereinander, um den typischen Bombastsound der Pumpinks hinzukriegen. Ausnahmedrummer Jimmy Chamberlin besticht dabei mit treibend-virtuoser Rhythmusarbeit, während Corgan seine Texte in gewohnter Manier über die fetten Arrangements näselt. Dabei ist Chamberlin der Einzige aus den alten Tagen der Band, der Rest wurde schlicht dazugekauft - von Wiedervereinigung kann also kaum die Rede sein.

Thematisch kreist Zeitgeist um die kriegstreibenden Vereinigten Staaten unter George W. Bush, besonders trefflich dargestellt im Inneren des Beihefts: Dort steht der Sensemann höchstpersönlich auf dem präsidialen Rednerpult des Weißen Hauses. Besser ließen sich Bush und seine Außenpolitik kaum symbolisieren.

Alles in allem reicht Zeitgeist in seiner Geradlinigkeit leider nicht an seine Vorgänger heran. Ein wenig mehr Experimentierfreude hätte dem Album gut getan; auch reichen die Songs - mit Ausnahme von "United States" - nicht über (oberes) musikalisches Mittelmaß hinaus. Oft drängt sich leise der Verdacht an kommerzielle Zugeständisse auf. Aber vielleicht muss sich Corgan einfach nur wieder warmkomponieren....

Repertoire: 3, Interpretation: 3

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Julian Cope: You Gotta Problem With Me

Rezensiert von: Frank

Der Mann ist beneidenswert: Mit den Tantiemen aus seinen Erfolgen in den Siebzigern und Achtzigern kann Cope heute gut genug leben, um machen zu können, was er will. Nicht, dass er mit "Trampolene" & Co. steinreich geworden wäre. Jedoch hat ihn schon damals kommerzieller Opportunismus aufs Tiefste angewidert. So verzog er sich etwa nach seiner chartsmäßig größten Knaller-LP "My Nation Underground" gedemütigt ins Studio und nahm auf eigenes Risiko authentische Cope-Songs auf.

Heute hat er sich derart konsequent von allen Plattenfirmen und kommerziellen Verpflichtungen getrennt, dass seine CDs höchstens noch in Second-Hand Plattenläden zu finden sind. Alles andere muss über den Vertrieb seines eigenen Labels bezogen werden.
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Die völlige Unabhängigkeit von den kommerziellen Ansprüchen großer Plattenfirmen hat Cope mehr als gut getan. Nun kann er ungestört seine musikalischen und inhaltlichen Obsessionen ausleben, was für den Hörer unter Umständen auch unbequem ausfallen kann. Waren seine beiden letzten Alben von teils heftigem Gitarrengerotze und einer in laute Klangmauern transformierten emotionalen Tiefe gekennzeichnet, kommt You Gotta Problem With Me um einiges leiser daher.

Wieder kreist alles um sein Lieblingsthema, namentlich die destruktive Kraft monotheistischer Religionen, die es zu bekämpfen gilt. In seinen Texten begibt er sich zur Veranschaulichung in Länder wie den Irak oder Saudi Arabien. Denn besonders dem Islam kreidet er an, Unterdrückung und Leid von Frauen im Namen einer narzistisch-patriarchalen Herrschaft zu unterstützen. So fußen für ihn die drei "anti-humanen" Religionen Christentum, Judentum und Islam auf einem "barbarischen Bronzezeit-Text, dem Alten Testament" (Covertext, eigene Übersetzung).

Wer bei soviel Leidenschaft krachigen LoFi-Protometal á la Brain Donor erwartet, dürfte allerdings enttäuscht werden. Cope hat viel zu sagen, und so mutiert die Musik eher zur nebensächlichen Untermalung seiner ausgedehnten Lyrics. Dabei fasziniert einmal mehr sein stimmlicher Variationsreichtum. Mal kreischt er heiser, mal säuselt er tief und sonor, mal wechselt er von gefühlvoller Brust- zu tragischer Kehlkopfstimme. Sick Love und Can't Get You Out Of My Country interpretiert er mit geradezu alberner Intonation, und Woden wird künstlich in solche Höhen gepresst, dass seine Stimme stets kurz vor dem Umkippen steht - alles im Dienste der bestmöglichen Übereinstimmung von Aussage und Gesang.

Die Instrumentierung bleibt also eher spartanisch. Im Vorderund stehen Gitarre und Mellotron, während die Rhythmussektion einer Roßkur unterzogen wurde. Statt eines Schlagzeugs sind zumeist nur einzelne Trommeln und Becken zu hören, wie man sie von Marschkapellen her kennt. Ab und an lugt Copes unvergleichliches Talent für bestechende Melodieführungen heraus. So hätte Doktor Know ohne weiteres das Zeug zu einem veritablen Radiohit - wäre es standardgemäß instrumentiert. Aber so verleihen gerade die verlorene Gitarre, das zarte Mellotron und die vereinzelten Trommeln den lieblichen Lyrics eine ganz besondere Magie. Allerdings dürfte derartiges nur geübten Kennern des Cope'schen Werkes zugänglich sein. So wendet sich auch You Gotta Problem With Me an einen vergleichsweise kleinen Hörerkreis, der eben dieses und ähnliche Probleme mit Herrn Cope nicht kennt.

Repertoire: 2, Interpretation: 1

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